Un estudio completo sobre las proporciones del cuerpo humano lo encontrará en el estudio de David Sanmiguel ,Guía completa para el artista . Parramón, Barcelona, 2004. La proporción es la base de cualquier representación humana, en palabras de Albert Durero : « sin proporción ninguna figura puede ser perfecta, por mucha diligencia que se haya puesto en su realización ». Esta proporción se ha basado a lo largo del tiempo en diferentes normas o cánones para su realización: en el Antiguo Egipto, la medida básica era el puño cerrado y la anchura de la mano, de donde se obtenía un módulo básico que se reproducía por cuadrículas, así, la cabeza formaba tres módulos, de hombros a las rodillas comprendía diez módulos, y de rodillas a los pies, seis. Para los griegos, lo ideal era que la altura del individuo fuera el equivalente a siete veces y media del tamaño de la cabeza para adultos, y entre cuatro y seis cabezas para niños y adolescentes. Este canon proviene, según la tradición, de Policleto , y es el más clásico de los utilizados en la Antigua Grecia, seguido por artistas como Fidias, Miró, Zeuxis y Parrasi, aunque se utilizaron otros, como el de Lisipo de ocho cabezas , o el de Leocares , de ocho cabezas y medio. Otros estudios establecían que la altura podía inscribir en una circunferencia con centro en el pubis, divisible a su vez en dos, una superior con centro en el esternón y otra inferior con centro en la rótula. En definitiva, es difícil establecer un canon ideal, y los estudios científicos al respecto no han proporcionado resultados objetivos.
Imatge de Dibujo y Pintura
La anatomía artística corrió en paralelo desde el Renacimiento basada en disecciones del cuerpo humano. Tanto artistas como médicos y científicos estudian a fondo los huesos, músculos y otras partes del cuerpo, de donde extrajeron los conocimientos que aplicaron a las obras de arte. Cabe destacar en este sentido los estudios efectuados por Andrés Vesalio , quien en 1543 publicó De humani corporis fabrica , un estudio anatómico del cuerpo basado en disecciones, donde junto al texto destacaban múltiples láminas ilustrativas del cuerpo humano -obra de Jan van calcar -, que sirvieron de base a los artistas por sus imágenes, basadas cada vez más en el realismo objetivo.
Andrés Vesalio , quien en 1543 publicó De humani corporis fabrica , un estudio anatómico del cuerpo basado en disecciones
Láminas de Andrés Vesalio, De humani corporis fabrica
La base del desnudo artístico es el dibujo, la realización de un boceto o un croquis y en base a realizar la imagen final. En el dibujo académico, estos bocetos se llaman precisamente «academias», y suelen estar realizados en carboncillo, con gran detallismo y fijándose especialmente en el modelado de luces y sombras. En general, se emplea la técnica del sombreado, extendiendo las manchas iniciales del carboncillo con un paño, para conseguir un primer grupo de bloques en claroscuro, luego se aplica un difumino para terminar de elaborar la figura, abriendo blancos si hay con goma maleable. También se puede aplicar yeso o creta blanca para realzar el volumen, mientras que otros artistas prefieren la aplicación de cretas de colores -de los que los más habituales son siena, sepia y sanguina-.También se puede dibujar en tinta con plumilla o caña.
Nu de Miguel Àngel
Las proporciones sobre el cuerpo humano más conocidas son las del arquitecto romano, Vitruvio , que en el tercer libro de su De Architectura establecía que las proporciones ideales en arquitectura deben basarse en la medida del cuerpo humano, que es un modelo perfecto porque con brazos y piernas extendidos encaja inmejorablemente en las dos principales formas geométricas -consideradas perfectes-, el círculo y el cuadrado.Esbozó así el llamado Hombre de Vitruvio (title del libro de Leonardo Da Vinci ) que tuvo gran relevancia en la teoría artística del Renacimiento, segundo nos lo explica Kenneth Clark , El desnudo. Un estudio de la forma ideal. Alianza, Madrid, 1996. No obstante, a pesar de que muchos artistas cumplen estas proporciones, a menudo sus resultados son insatisfactorios, como la Némesis de Durero (1501), basada en las proporciones vitruviana y no Sin embargo carente de atractivo físico. Al final, no hay fórmulas para plasmar de forma exacta la belleza del cuerpo, porque nuestra percepción siempre está tamizada por el pensamiento, por nuestro gusto, nuestros recuerdos y nuestra educación.
El Hombre Vitruvio (1487), de Leonardo da Vinci, Galería de la Academia de Venecia. Estudio de las proporciones del cuerpo humano.
Némesi de Durero
Durante la edad media se perdió el estudio de la proporción en el cuerpo humano, éste fue objeto de una simbología cosmogónica de aplicaciones matemáticas y estéticas: el homo quadratus . Partiendo del corpus platónico, la cultura medieval consideraba el mundo como un gran animal -y, por tanto, como un ser humano-, mientras que el hombre era concebido como un mundo, un microcosmos dentro del gran cosmos de la Creación. Esta teoría relacionaba la simbología del número cuatro con la naturaleza, que a su vez se aplicaba al arte: hay cuatro puntos cardinales, cuatro estaciones, cuatro fases de la luna, cuatro vientos principales, y cuatro es el número de la hombre, teoría que se retrotrae a Vitruvio y su concepción del hombre como cuadrado ideal, correspondiente al ancho de sus brazos extendidos a su altura.
Representación del homo quadratus: Vientos, elementos, temperamentos , miniatura del Manuscrito astronómico , Baviera, siglo XII.
iconografía
En la entrada anterior ya vimos como a menudo se busca una excusa temática para poder representar desnudos, otorgándoles un significado generalmente relacionado con la mitología grecorromana y, a veces, con la religión, como los cuerpos de Adán y Eva, y el de Cristo crucificado. Hasta el siglo XIX prácticamente no encontramos desnudos «al natural», despojados de todo simbolismo, nudo que sólo reflejen la estética intrínseca del cuerpo humano. Las fuentes iconográficas para estas representaciones se encuentran en los textos de los autores clásicos como Homero, Tito Livio, Ovidio por la mitología, y en la Biblia (Antiguo y Nuevo Testamento) para la religión. Se forjó un corpus iconográfico que recogía los principales mitos, leyendas, pasajes sagrados y relatos históricos, con obras como La leyenda áurea o Leyenda sanctorum del arzobispo de Génova Jacopo da Varazze o da Varagine (1230-1298), conocido también en catalán como Jaume de Vorágine, sobre vidas de los santos y de Cristo y la Virgen, o la genealogía de los dioses paganos de Boccaccio (1360-1370), sobre mitología griega y romana.
Alberto Durero. Adam i Eva
Nu antiestètic
El desnudo suele identificarse con la belleza, pero no todos los desnudos son bellos o agradables, también hay representaciones de personajes desnudos que por diversas razones resultan feos o repugnantes, o carentes de cualquier atractivo físico, bien por su naturaleza poco favorecida , por deformidades o malformaciones, por estar representados en su vejez o por ser personajes malvados o depravados, o incluso monstruos o seres fantásticos de la mitología (sátiros, silenos) o la religión (demonios, brujas). En este nudo predomina el grosero, el nauseabundo, el repelente, lo grotesco, el abominable, el asqueroso, la obscenidad, el siniestro, etc.
Lucien Freud. Esperando en la cámara
Agnolo Bronzino, El enano Morgante (1553)
La estética y la belleza dependen de la cultura, el tiempo y el lugar: así como para el hombre occidental una máscara africana puede parecer horrible, aunque represente un dios benévolo para sus adoradores, para un no occidental una imagen de Cristo crucificado puede resultar desagradable, aunque para un cristiano sea símbolo de redención. Estos desnudos están impregnados de pathos , la expresión de la derrota, del dramatismo, el sufrimiento, los cuerpos dañados y deformados, enfermos o mutilados.
La Crucifixión (1512-1516) es la escena representada en los dos paneles centrales del Retablo de Isemheim, obra maestra del pintor alemán Matthias Grünewald .
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